Showcase: Gregg Bucken-Knapp

Gregg Bucken-Knapp is a portrait photographer based in Glasgow, Scotland.  His work reflects an interest in creating images that depict a subdued sense of drama, and where the attempt by subjects to navigate powerful and conflicting emotions in moments of uncertainty are often central components.

Interviewed by Chiara Costantino

[Traduzione in italiano in basso]


Hi Gregg! How did you come to photography?

In 2001, I was living in a small town in Southern Denmark, near the German border. It was incredibly scenic, but with little to do. I would go on long walks, headphones on, camera in hand. At first I was just documenting the town for friends far away, but gradually, composition and thematic intent became important. However, it wasn’t until I moved to Göteborg, Sweden that my interest in making images of people emerged. Everyday people were often fantastically striking, and I fell into street fashion photography, which led to images being published here and there over the years. But at some point, I felt the spontaneous nature of street photography was too unsettling and uncertain. I think the shift into portraiture reflected a greater confidence about the types of images I wanted to make and how much more control over the process I would require.

Are there photographers who influenced you?

Erwin Olaf: His perfect ability to construct an elegant mise en scéne where subjects are so clearly alone with their thoughts is mind-bogglingly impressive. George Hoyningen-Heune: His image “Divers”, featuring his partner Horst positioned almost symmetrically with another model, facing away from the viewer, is bold and powerful, but also very serene. That image always makes me think how I need to be more deliberate and rigorous in my approach. Then, in all fairness, any number of medium format film portrait photographers who post their work on Flickr: Such dedication, such persistence, such imagination. Instant inspiration!!

Why do you take so many female portraits?

Here too, I think it comes down to recent influences. Over the past few years, my work has increasingly taken inspiration from contemporary female fashion magazines such as Lula, Material Girl and Oh Comely. They often present models in a very prim or twee manner, with images having both fashion and portraiture contexts. On some intuitive level, this styling and aesthetic just immediately resonates with me. In terms of the history of fashion photography, I am very fond of Lillian Bassman’s work for both Junior Bazaar and Bazaar in the post-WWII era. Her high-contrast black and white images of female models are iconic: hints of beauty shots and portraiture, abstract elements and strong graphic shapes. And of course, I’m a fan of costume drama films, rich with historically accurate styling and long quiet shots of characters lost in thought. These influences and interests go a long way towards explaining both my choice of subjects, and how they are portrayed in my images.

You decided to show us just black and white portraits, but I notice on your site that you realized also a number of colour pictures. Why did you make this choice?

My initial portraiture was largely in colour, and I made heavy use of artificial light. That earlier work is still important to me in that I can see that I was learning a great deal about light and shadow. Somehow though, colour began to feel like a distraction to me, as did all of the emphasis on artificial light. I became intrigued by the possibility of trying to construct images that were smaller in scale, quieter somehow, and that managed to communicate a very introspective mood. Some of my colour portraits danced around this mood a bit, but I think I was missing the mark. For whatever reason, the switch to black and white has helped me to isolate that feeling. At the end of the day, this more recent black and white work is simply a better reflection of who I am now as a photographer.

You are also a sport and concerts photographer. Which differences can you find between portrait photography (where you presumably pose people) and a kind of photography where you cannot control people’s movements?

There was a period five or six years ago where I shot as much as could, of almost anything that I could, and this included concerts, sports, political rallies, etc. Casting the net widely back then was useful in that it helped me gain an understanding of the type of photography that was important to me. Concerts and sports were interesting in that I approached them with my earlier training as a journalist in the back of my mind: find the story, document it. But, it was frustrating that I couldn’t intervene and direct the subjects to hold a specific pose or to alter their gaze or body language, etc. More often that not, I’d think how specific shots would’ve been great if only I had the ability to construct them, detail by detail. My ability to control the narrative is simply greater when making portraits.

Who are your models?

Fine arts students in photography and film, students pursuing undergraduate and advanced degrees in the social sciences, stay at home parents, world travellers and presumably countless other identities. In general though, I find that individuals who have well-developed reference points when it comes to the visual arts, music and literature are ideal when it comes to collaboration. I work very closely with a talented make up artist here in Glasgow, Sarah Michael, and it helps for us to be able to put our plans for any given shoot into a broader cultural context that will immediately be understood. Subjects who get those reference points, and who have similar ones of their own to draw on while making the images, bring a great deal to the table.

I was struck by your series “Streets of Göteborg”, because it shows different people but nothing about architecture or urban spaces. Why?

Guilty as charged! First and foremost, when I walk down a street, I don’t see the architecture, I see faces, or rather, I’m looking for faces that strike me as interesting. To the extent that I take notice of urban space, I chiefly regard it as secondary, and whether/how it can be of service to a portrait in terms of texture, pattern, shape or backdrop. Some of the Göteborg images are the product of candid street photography, and others come from assignments shot for a local magazine. I look back at them now and it is the emotion in the faces that still matters most to me: the pride of a newly-naturalized Swede, the intense focus of youth practicing their break dancing, the tired gaze of a Social Democrat alone in a crowd on May Day.

Analogue or digital?

The manual focus aspect of working with most medium format analogue cameras probably isn’t as easy for my eyes now as it used to be… Digital is my primary tool though I will generally shoot at least one roll of film during most portrait sessions for the variation that can result. Analogue and digital images from the same shoot do often have substantially different looks, and I like having those different options at hand when trying to assemble a final set.

Who would you be if you weren’t a photographer?

I’d be a substantially less happy person!

A question you would never answer is…

I suppose that I am diplomatic enough to provide answers to most questions. On the other hand, whether people are satisfied with the content of those answers is beyond my control.

Any advice to young artists?

Decide what aspects of your craft are important to you and know them well. Accept that you may periodically re-evaluate those decisions. Become well-acquainted with the history of your chosen art form, as well that of cognate fields, and don’t shy away from looking to utterly unconventional sources for inspirations that can be integrated into your work.

Tell us something about your upcoming projects.

I’m currently quite fascinated by historical cases where the state was active in determining what was permitted in terms of women’s fashion. As I become more immersed in this topic, I’m hoping to be able to pick some of these instances and illustrate them with a series of fashion portraits.

More of Gregg Bucken-Knapp’s work here

(Images © Gregg Bucken-Knapp,  Make up and hair on images 3, 4, 5, 6, 7, 9, 12 © Sarah Michael, Design on images 3, 4, 5 © Rachael Forbes)

**Italian Translation**

by Chiara Costantino

Ciao Gregg! Come sei arrivato alla fotografia?

Nel 2001, vivevo in una piccola cittadina nel sud della Danimarca, vicino la frontiera tedesca. Era incredibilmente pittoresca, ma c’era poco da fare. Andavo a fare lunghe passeggiate con le cuffie nelle orecchie e la fotocamera in mano. All’inizio, si trattava solo di documentare la città per gli amici lontani, ma piano piano, la composizione e l’intento contenutistico sono diventati importanti. A ogni modo, non è stato fino al mio trasferimento a Göteborg, in Svezia, che il mio interesse nel produrre immagini di persone è emerso. Le persone della vita di tutti I giorni erano spesso fortemente impressionanti, mi sentivo trascinato verso la fotografia di moda di strada, che mi ha condotto a pubblicare le mie immagini qua e là nel corso degli anni. Ma a un certo punto, ho sentito che la natura spontanea della fotografia di strada era troppo traumatizzante e incerta. Penso che il passaggio alla ritrattistica abbia riflesso una maggiore confidenza nei tipi di immagine che volevo creare e quanto maggiore controllo sul processo volevo esigere.

Ci sono fotografi che ti hanno influenzato?

Erwin Olaf: la sua abilità perfetta nel costruire una messa in scena elegante dove i soggetti sono così chiaramente soli con i loro pensieri colpisce in maniera sbalorditiva. George Hoyningen-Heune: la sua immagine “Divers”, che ritrae il suo compagno Horst collocato quasi simmetricamente con un altro modello, con il viso lontano dallo spettatore, è audace e potente, ma anche molto serena. Quella immagine mi fa pensare sempre di come abbia bisogno di essere più cauto e scrupoloso nel mio modo di lavorare. Infine, in tutta onestà, un gran numero di ritrattisti che usano pellicola di medio formato e che postano i loro lavori su Flickr: una tale dedizione, una tale tenacia, una tale capacità immaginativa. Ispirazione instantanea!

Perché scatti così tanti ritratti femminili?

Anche qui, credo che derivi da influenze recenti. Durante gli ultimi pochi anni, il mio lavoro ha man mano tratto ispriazione dalle riviste di moda femminile contemporanee, come Lula, Material Girl e Oh Comely. Spesso questi giornali presentano le modelle in maniera molto sussiegosa o affettata, con immagini che presentano un contesto sia legato alla moda, sia alla ritrattistica. A livello abbastanza intuitivo, mi posso identificare immediatamente con questo stile, questa estetica. In termini di storia della fotografia di moda, amo molto il lavoro di Lillian Bassman sia per Junior Bazaar e Bazaar nell’epoca post-WWII. Le sue immagini di modelle in bianco e nero, fortemente contrastate, sono iconiche: accenni di scatti di bellezza e ritrattistica, elementi astratti e forme grafiche forti. E sicuramente, sono un fan dei film drammatici in costume, ricchi di elementi stilistici storicamente accurati e lunghe riprese di personaggi persi nei loro pensieri. Queste influenze e interessi spiegano per esteso sia la mia scelta dei soggetti, sia come sono ritratti nelle mie immagini.

Hai deciso di mostrarci solo ritratti in bianco e nero, ma vedo sul tuo sito che hai realizzato anche una quantità di foto a colori. Perché hai fatto questa scelta?

I miei primi ritratti erano per lo più a colori, e facevo un uso molto pesante della luce artificiale. Quel primo lavoro è ancora importante per me, perché posso notare che stavo imparando molto sulle luci e le ombre. In qualche modo comunque, ho iniziato a percepire il colore come una distrazione, così come tutta quella enfasi sulla luce artificiale. Sono rimasto affascinato dalla possibilità di provare a costruire immagini che erano più piccole in scala, più calme in qualche maniera, e che riuscivano a comunicare uno stato d’animo molto introspettivo. Alcuni dei miei ritratti a colori si avvicinavano un po’ a questa sensazione, ma penso che stessi mancando il bersaglio. Per una qualche ragione, il passaggio al bianco e nero mi ha aiutato a isolare quel sentimento. In conclusione, questo lavoro in bianco e nero più recente è semplicemente un riflesso migliore di chi sono come fotografo.

Sei anche un fotografo di sport e concerti. Che differenze puoi rintracciare tra la ritrattistica (dove probabilmente metti in posa le persone) e un genere di fotografia in cui non puoi controllare i movimenti della gente?

C’è stato un periodo, cinque o sei anni fa, in cui scattavo a più non posso, qualsiasi soggetto mi capitasse, e questo includeva concerti, sport, manifestazioni politiche eccetera. Analizzando la cosa a distanza di tempo, mi è stato utile perché mi ha aiutato ad acquisire consapevolezza del tipo di fotografia che mi interessava. I concerti e lo sport erano importanti perché mi ci accostavo tenendo in mente il mio precedente approccio da giornalista: trova la storia, documentala. Ma era frustrante perché non potevo intervenire e portare i soggetti a mantenere una posa specifica o modificare il loro sguardo o linguaggio corporeo, e così via. In sostanza, penserei a quanto determinati scatti sarebbero stati eccellenti se solo avessi avuto l’abilità di costruirli, dettaglio per dettaglio. La mia capacità di controllare la narrazione è semplicemente più grande quando realizzo dei ritratti.

Chi sono i tuoi modelli?

Studenti di arti figurative, fotografia e cinema, studenti che stanno conseguendo lauree triennali e magistrali in scienze sociali, che stanno a casa dei genitori, viaggiatori in giro per il mondo e presumibilmente innumerevoli altre personalità. In generale comunque, trovo che gli individui che hanno punti di riferimento molto sviluppati quando si tratta di arti visive, musica e letteratura sono ideali per una collaborazione. Lavoro a stretto contatto con una make up artist di talento, qui a Glasgow, Sarah Michael, e ci aiuta essere in grado di mettere i nostri progetti per ogni determinato scatto all’interno di un contesto culturale più ampio, che sarà capito subito. I soggetti che rientrano in questi punti di riferimento, e che ne hanno di simili per conto loro, su cui lavorare mentre si crea l’immagine, portano un grande contributo al progetto.

Sono rimasta colpita dalla tua serie “Streets of Göteborg”, perché mostra diverse persone ma nulla riguardo l’architettura o gli spazi urbani. Perché?

Mi dichiaro colpevole! Per prima cosa, quando passeggio lungo una strada, non guardo l’architettura, vedo i volti, o piuttosto, sto cercando dei volti che mi colpiscano in quanto interessanti. Nella misura in cui prendo nota dello spazio urbano, lo considero soprattutto come secondario, e se/come possa essermi utile a un ritratto in termini di struttura, disegno, forma o sfondo. Alcune delle immagini di Göteborg sono il prodotto di pura fotografia di strada, e altre provengono da lavori su commissione per una rivista locale. Le riguardo ora ed è l’emozione sui volti che ancora adesso mi importa di più: l’orgoglio di una Svezia naturalizzata di fresco, l’intenso concentrarsi dei giovani che fanno breakdance, lo sguardo stanco di un socialdemocratico solo nella folla il primo maggio.

Analogico o digitale?

L’aspetto principale e manuale del lavorare per lo più con fotocamere dal formato medio analogico probabilmente non è così semplice ai miei occhi come soleva essere… Il digitale è il mio strumento principale, sebbene scatti di solito almeno un rullino in pellicola durante la maggior parte delle sessioni di ritratti, siccome il risultato può variare. Immagini analogiche e digitali, provenienti dalla stessa inquadratura, spesso hanno sguardi profondamente diversi, e mi piace avere quelle diverse opzioni a disposizione quando provo ad allestire il set definitivo.

Chi saresti se non fossi un fotografo?

Sarei di sicuro una persona meno felice!

Una domanda alla quale non risponderesti mai è…

Ritengo di essere abbastanza diplomatico da dare risposta alla maggior parte delle domande. D’altro canto, se le persone restino soddisfatte dal contenuto di quelle risposte è al di là del mio controllo.

Qualche consiglio per giovani artisti?

Decidere quali aspetti della tua arte sono importanti per te e conoscerli bene. Accettare che periodicamente potresti riconsiderare quelle decisioni. Essere bene consapevole della storia della forma d’arte che hai scelto, così come dei campi correlati, e non rifuggire dal guardare a forme radicalmente non convenzionali per trarne ispirazione che possa essere integrata nel tuo lavoro.

Dicci qualcosa dei tuoi progetti futuri.

Al momento sono abbastanza affascinato dai casi storici, in cui lo stato era parte attiva nel determinare cosa era permesso in termini di moda femminile. Man mano che mi addentro in questo campo, spero di essere in grado di cogliere alcune di queste circostanze e di illustrarle con una serie di ritratti di moda.

2 Responses to “Showcase: Gregg Bucken-Knapp”
  1. djvacca says:

    Beautiful work, Gregg! Congratulations!

  2. Perpetual inspiration of images.

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