Showcase: Mark Thompson

Mark Thompson (1972) was born in Great Britain. He studied at the Slade School of Fine Art (London) from 2003 until 2007. He currently lives and works in Germany. His works were exhibited in Germany, United Kingdom, USA, Norway and Lithuania.

Interviewed by Chiara Costantino

[Traduzione in italiano in basso]

 
 

Hi Mark! How did you start drawing?

It is hard to pinpoint a start; this is something that I have always considered a part of life – a language or way to comunicate ideas to myself. I do remember getting into trouble as a child for drawing everywhere though…

What does drawing mean for you?

Drawing is such an integral part of my practice that I‘m not sure how I‘d get along without it. Obviously my paintings deal with a form or version of reality, so the actual drawing aspect is very central to the whole process. Above and beyond that however, drawing on a more intimate scale – through works on paper – and indeed just the physical act of mark making is something that feels important to me. It feels very human.

Are there painters who influenced you?

I draw influence from a relatively wide range of sources and for a variety of reasons. Strictly within painting, I find the work of Agnes Martin, Anslem Keifer, Wilhelm Hammershoi, Gerhard Richter, Susan Rothenburg and Ian Mckeever quite influential in terms of either technique or ethos. This barely touches on my interest, but I find them a good place to start. In addition I look at a lot of photography, particularly those artists who continue to dwell in the hand made or analogue worlds. The colodian photographs of Sally Mann for instance have a very painterly feel that definitely finds its way into my work. Aside her, the sheer compostitional mastery of both Thomas Joshua Cooper and Hiroshi Sugimoto fill me with awe.

Can you briefly explain your creative process and the mediums you use?

In many ways my process is traditional; it‘s oil paint on canvas. I mostly work on stretchers that I have constructed myself, due to the fact that for me this is the beginning of the object having its own voice. The actual painting process is divided between the wall and the floor, each day starting with re-drawing the previous days disasters. The day generally ends with me laying the painting flat and using very dilute white washes to mostly cover the days work. Over night the days‘ drawing comes through (hopefully), leaving a sort of remnant or trace that I can react to the following day. Through this action I build a slow history for the image. It can be a very labored, frustrating process, but the time it takes matters. As for other mediums, I use a fair amount of stand oil and turpentine to maintain a degree of transparency.

You are also a photographer, besides being a painter. What difference can you find between these two forms of art?

The primary difference for me is one of time. I‘m not so concerned with the decisive moment and I try to stretch the photographic timescale to get it a little closer to painting. Their seperate characters are what attracts me to the use of both, each process being a way for me to stabilize memory, to give its shadows a form. I don‘t seek to use either as documentary so in that respect I can use them interchangably. However, the main difference for my practice is probably the most obvious; painting has more latitude for selection – I can put in or take out to my hearts content, but with photographs, at least how I chose to make them, I am more concerned with the recording of actual matter. The differences are less hinderances than possibilites, both allowing me to access memory but from different angles.

I was struck with your dim colours and the way you put together human buildings and the coldness of nature (snow, winter). I feel a sense of solitude and loss. Can you tell us more about this?

My colour choices have evolved over time into quite a muted hue range. Colour in the usual sense of the word is incidental and comes as a result of the process, however each colour is chosen rather than arbitrary. An unpopulated place seems to automatically have a sense of loss about it, but I think there is an inherent melancholy present in both my paintings and photographs, since they are both concerned with memory and time passing or time gone. I have a great interest in early photography and its fugitive processes; for example, the long exposures that failed to register people walking on city streets. I see painting with the same eyes – a way to engage with or punctuate my own time as it falls away, and each work becomes a marker in my own history. The paintings are in many ways portraits of loss; a time and a space that has already gone, something seen for the last time. This sense of passing has become more apparent in my most recent architectural works. They are places that we are accustomed to seeing full of people, so their absence is felt more keenly.

In your paintings, the point of view is always on a empty road where nobody walks. Everything is silent and the atmosphere seems frozen – but the titles are for example something like “After me” or “Be lost in me”. Do you see urban space as a metaphor for human condition?

In a way yes, we make urban spaces and most of us huddle together in their comfort. Contrary to this however, we are increasingly isolated and fearful, separating ourselves as much as we can. The disparity however between the emptiness or unpopulated nature of my paintings and their titles, is less concerned with humanity as a condition than it is with understanding my own experience of being human. The ‘me‘ I refer to is an actual me. These places, urban or wilderness, are excavations of memory and as such are more metaphors for my own footsteps and history. That said, the notion of collective memory, or an ‘us‘ is important to me as an idea. Part of the ‘me‘ descibes us as a species and how we cope with the mind/body distinction.

You were born in Great Britain but currently you are living in Germany. Do you think your personal biography and these different places have affected your work in some way?

Relocating to Germany has had quite an impact on my work. The sense of everything being alien and outside of formative experience throws you off balance, and it seems that it doesn‘t change significantly with time. As an artist one is automatically an outsider. Coupled with my unfamiliarity with Germany, this status allows me the freedom to look at my current surroundings with a certain keeness. It‘s difficult to quantify, but probably the best way to demonstrate this is the change in my work from purely landscape based imagery found in places far from home, to a preoccupation with city architecture – I doubt this would have happened if I‘d have stayed in Britain. I needed the exposure.

Have you done any commercial work or will you do it? In this case how do you think commercial work could affect the way you work?

The closest I‘ve ever come to commercial work is making the album cover art for a couple of bands – the most notable being Agalloch‘s ‘Marrow of the Spirit‘. I tried very hard with that project to bring it within my continuing body of work as far as was possible, and I was ultimately very happy with the results. I must admit that I usually find commissioned work quite difficult to do because I constantly feel directed by an unseen hand. I imagine commercial work takes a particular mind set, and I‘m not sure it‘s one that sits very naturally with me.

Any advice to those young artists who aim to become a painter?

If I‘ve got anything useful to impart it‘s that the concept of inspiration is only partially useful. As trite as it sounds, it really is just about the work – if there are problems or struggles, paint your way out of or through them.  Two other events are worth noting, and say the same thing in different ways: I once saw a short interview with Frank Auerbach, and he remarked that painting isn‘t a game of success, and that is definitely something worth passing on. Secondly, the day I left art school, the professor told me something that I‘ve remembered ever since – a career in painting is eighty years, not six months.

What is on your horizon? Any running or upcoming projects?

After a quiet, reflective year, I have a number of exhibitions coming up in Europe and America in 2013. I will be updating my website with specifics as they become fixed. It‘s going to be busy!

A question you will never answer to, is…

‘My room has a particular colour scheme… Could you paint something to match my sofa and curtains?‘ I will simply walk away without answering!

More of Mark Thompson’s work here

(Images © Mark Thompson)

**Italian Translation**

by Chiara Costantino
 

Ciao Mark! Come hai iniziato a disegnare?

E’ difficile fissare un punto di inizio: è qualcosa che ho sempre considerato parte della mia vita – un linguaggio o un modo per comunicare idee a me stesso. Ricordo di essere finito spesso nei guai da bambino per aver ricoperto un po’ ovunque di disegni…

Cosa significa per te disegnare?

Disegnare è una parte così integrante della mia vita che non sono sicuro quanto potrei tirare avanti senza. Ovviamente i miei dipinti fanno i conti con una forma o versione della realtà, così che il vero aspetto del disegno è centralissimo all’intero procedimento. Sopra e al di là di questo, comunque, disegnare su una scala più intima – attraverso lavori su carta – e in verità solo l’atto fisico di tracciare dei segni è qualcosa che sento come importante. Lo sento molto umano.

 Ci sono pittori che ti hanno influenzato?

Ho tratto ispirazione da un relativamente ampio ventaglio di fonti e per una varietà di motivi. Trovo i lavori di Agnes Martin, Anslem Keifer, Wilhelm Hammershoi, Gerhard Richter, Susan Rothenburg e Ian Mckeever abbastanza determinanti in termini sia di tecnica che di temperamento. Questo influisce appena sul mio interesse, ma li trovo come un buon punto di partenza. Inoltre, guardo moltissime fotografie, in particolare quelle di artisti che continuano a soffermarsi su mondi artigianali o analogici. Le fotografie al collodio di Sally Mann, per esempio, hanno un effetto molto pittorico che di certo si è fatto strada nel mio lavoro. A parte lei, la pura maestria compositiva sia di Thomas Joshua Cooper che di Hiroshi Sugimoto mi riempie di rispetto reverenziale. 

Puoi spiegare brevemente il tuo processo creativo e i mezzi che impieghi?

In molti modi il mio processo è tradizionale: è pittura a olio su tela. Per lo più lavoro su telai che ho costruito da me, questo è dovuto al fatto che per me è il principio dell’oggetto che ha una sua voce. Il vero processo pittorico si divide tra la parete e il pavimento, inizio ogni giorno con il ridipingere sui disastri del giorno precedente. La giornata si conclude di solito con me che stendo il dipinto a terra e uso mani di colore bianco molto diluito per coprire la maggior parte del lavoro giornaliero. Durante la notte, i disegni del giorno vengono in superficie (si spera), lasciando una specie di residuo o traccia che posso rielaborare il giorno seguente. Attraverso questo procedimento, costruisco una lenta storia per l’immagine. Può essere un procedimento molto laborioso, frustrante, ma merita il tempo che richiede. Riguardo agli altri mezzi, uso il giusto quantitativo di olio di lino polimerizzato e di trementina per mantenere il giusto grado di trasparenza.Sei anche un fotografo, oltre a essere un pittore.

Che differenza puoi tracciare tra queste due forme d’arte?

La differenza sostanziale per me è il tempo. Non sono così preoccupato dal cogliere il momento decisivo e provo a dilatare il tempo di esposizione fotografico, al fine di arrivare un po’ più vicino alla pittura. Le loro diverse nature sono ciò che mi attrae e mi spinge a usarle entrambe, essendo ogni processo un modo per me di fissare ricordi, di dare alle sue ombre una forma. Non cerco di usarle come un documentario, così che posso usarle in modo intercambiabile. Comunque, la differenza principale per il mio lavoro è probabilmente la più ovvia: dipingere ha più spazio di manovra per selezionare – posso mettere dentro o tirare fuori il contenuto delmio cuore, ma con le fotografie, almeno nel modo in cui scelgo di scattarle, sono più concentrato sulla registrazione del dato reale. Le differenze sono più possibilità che ostacoli, entrambe mi consentono di accedere al ricordo ma da prospettive diverse. 

Sono stata colpita dai tuoi colori scuri e dal modo in cui metti insieme edifici costruiti dall’uomo e la freddezza della natura (neve, inverno). Percepisco una sensazione di solitudine e di perdita. Puoi dirci qualcosa di più in merito?

Le mie scelte di colore si sono evolute nel corso del tempo in un ventaglio di sfumature abbastanza attenuate. Il colore in senso tradizionale del termine è incidentale e emerge come risultato del procedimento, ad ogni modo ogni colore è scelto piuttosto che arbitrario. Un posto desolato sembra avere in automatico un senso di perdita, ma penso che ci sia una malinconia intrinseca sia nei miei dipinti che nelle mie fotografie, dal momento che entrambi riguardano il ricordo, il tempo che passa o che è già passato. Ho un grande interesse per la prima fase della fotografia e per i suoi processi effimeri: per esempio, i lunghi tempi di esposizione che non riuscivano a imprimere su pellicola le persone che passeggiavano per le strade della città. Vedo il dipingere allo stesso modo – un modo per entrare in contatto con o per sottolineare il mio tempo mentre scorre via, e ogni lavoro diviene un marcatore della mia storia. I dipinti sono in molti modi ritratti di perdita: un tempo e uno spazio che è già andato, qualcosa di visto per l’ultima volta. Questo senso dello scorrere è diventato più visibile nei miei lavori d’architettura più recenti. Sono posti che siamo abituati a vedere pieni di gente, così la loro assenza si percepisce più duramente.

Nei tuoi dipinti, il punto di vista è sempre su una strada vuota dove non passa nessuno. Tutto è silenzioso e l’atmosfera sembra congelata – ma i titoli sono per esempio “Dopo di me” o “Perditi in me”. Vedi lo spazio urbano come una metafora per la condizione umana?

In un senso sì, costruiamo gli spazi urbani e la maggior parte di noi vi si accalca nel loro benessere. Contrariamente a questo comunque, siamo sempre più isolati e pieni di paure, e ci separiamo l’uno dall’altro più che possiamo. La disparità a ogni modo tra vuoto o natura desolata dei miei dipinti e i loro titoli, si collega meno con l’umanità come condizione di quanto non sia con il comprendere la mia esperienza personale di essere un umano. Il “me” cui mi riferisco è un me reale. Questi posti, urbani o selvaggi, sono scavi di ricordi e, in quanto tali, sono più metafore dei miei passi personali e della mia storia. Detto questo, la nozione di memoria collettiva, o un “noi” è importante per me come idea. Parte del “me” ci descrive come specie e le modalità con cui affrontiamo la distinzione tra mente e corpo.

Sei nato in Gran Bretagna ma al momento vivi in Germania. Pensi che la tua biografia personale e questi luoghi diversi abbiano influenzato in qualche modo la maniera in cui lavori?

Trasferirmi in Germania ha avuto un impatto abbastanza forte sul mio lavoro. Il senso che tutto fosse estraneo e al di là dell’esperienza formativa sbilancia il tuo equilibrio, e sembra che ciò non cambi in modo significativo con il tempo. Come artista, uno è automaticamente uno straniero. Messo insieme con la mia mancanza di familiarità con la Germania, questa condizione mi consente la libertà di osservare i miei attuali dintorni con una certa vividezza. E’ difficile quantificare, ma probabilmente il modo migliore di dimostrarlo è il cambiamento nel mio lavoro, da puro paesaggio basato sull’immaginazione, trovato in posti lontano da casa, all’attenzione per l’architettura della città – dubito che questo sarebbe successo se fossi rimasto in Gran Bretagna. Avevo bisogno della rivelazione.

Hai mai realizzato lavori commerciali o lo farai? In questo caso, come credi che il lavoro commerciale possa influire sul modo in cui lavori?

La cosa più vicina a un lavoro commerciale che ho mai fatto è stato realizzare la copertina dell’album di un paio di gruppi – il più rilevante è ‘Marrow of the Spirit‘ degli Agalloch. Ho provato seriamente con quel progetto di portarlo entro una continuità con il corpus del mio lavoro per quanto fosse possibile, ed ero alla fine molto soddisfatto del risultato. Devo ammettere che di solito trovo i lavori su commissione abbastanza difficili da realizzare, perché mi sento costantemente diretto da una mano invisibile. Immagino il lavoro commerciale prenda un particolare stato d’animo, e non sono certo che sia quello che si confaccia in maniera molto naturale con me. Qualche consiglio per quei giovani artisti che aspirano a diventare pittori?Se ho qualcosa di utile da insegnare, è quello che il concetto di ispirazione è solo parzialmente utile. Suona banale, ma riguarda il lavoro – se ci sono problemi o conflitti, dipingete la vostra via fuori o attraverso di essi. Altri due casi sono degni di menzione, e dicono la stessa cosa in modo diversi: una volta ho visto una breve intervista a Frank Auerbach, e ha sottolineato che il dipingere non è questione di successo, e che è assolutamente qualcosa che vale la pena trasmettere. In secondo luogo, il giorno in cui ho lasciato la scuola d’arte, il professore mi ha detto qualcosa che da allora ho sempre tenuto a mente: una carriera nella pittura è otto anni, non sei mesi.

Cos’hai in mente per il futuro? Progetti in corso o in arrivo?

Dopo un anno tranquillo, di riflessione, ho un sacco di mostre in arrivo in Europa e in America nel 2013. Aggiornerò il mio sito web con i dettagli non appena saranno definiti. Sarà un anno impegnativo!

Una domanda alla quale non risponderai mai è…

‘La mia stanza ha una particolare combinazione di colori… Potresti dipingere qualcosa che faccia pendant con il divano e le tende?‘ Semplicemente mi allontanerei senza rispondere!

Comments
3 Responses to “Showcase: Mark Thompson”
  1. viveka says:

    What a talent and his work is outstanding. Don’t have a favorite … I want them all.

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